CANNES, França — Cannes acabou tecnicamente e a busca por obras-primas continua. Os críticos da Croisette começam a se assemelhar ao mundo cômico clássico em que um explorador rasteja desesperadamente pela areia até um oásis que é apenas uma famiragem.
Neste festival sombrio, bons filmes têm uma boa perspectiva, como “Paper Tiger”, de James Gray, um thriller doloroso com Adam Driver e Miles Teller interpretando dois irmãos na Nova York dos anos 1980 que estão envolvidos em um esquema para limpar o Canal Gowanus. A polícia já conhecia o condutor do código quebrando o contrato com o povo russo; A engenharia de Teller é a área que não entende que fazer as coisas da maneira certa só piora a situação. Teller e sua ingênua esposa, interpretada por Scarlett Johansson, são como crianças brincando de se fantasiar. (O permanente de Johansson é muito complicado.) Ainda assim, o roteiro é cada vez mais rígido – e, neste ponto, estou feliz em ver algo com enredo.
“A Amada”, de Rodrigo Sorogoyen, tem dois deles: Um filme sobre um diretor famoso (Javier Bardem) que lança sua filha atriz (Victoria Luengo) em seu último projeto. O filme de ficção parece ser uma peça difícil de época sobre a retirada colonial espanhola no Saara na década de 1930, que pretende ser uma metáfora para a ausência de um pai que arruina a vida de seus filhos adultos. Boozer, ele não está estável o suficiente para resistir a um exame repentino de sua mente. O próprio Luengo segura bem a câmera mesmo nos momentos mais difíceis de seu personagem, abrindo mão de seu carisma sempre que seu pai precisa que ele o traga de volta.
Pense nisso como um arremessador para “Garance”, que estrela a sensata Adèle Exarchopoulos como outra atriz alcoólatra. Afiado, espirituoso e divertido, é divertido até o último ato, que chega a um ponto insuportável.
Um dos temas principais do festival parece estar ligado: que estamos todos apegados a esta rocha e, no final, a diferença entre humanos e andróides, homens e mulheres, é irrelevante. Pelo menos três filmes mostram pessoas dizendo: “A vida é assim”, com alegria. O filme em si não tem vida. Pior, eles são altos. Posso fazer vídeos animados, mas há um limite – digamos, 85 minutos.
Sophie Thatcher no filme “Seu Inferno Privado”.
(Néon)
“Private Hell” de Nicolas Winding Refn é mais longo do que isso e dolorosamente ausente. O diretor dinamarquês de “Drive” não faz um longa-metragem desde que “Neon Demon” estreou em Cannes em 2016 e esta história sombria parece mais um retrocesso do que um retorno. A filha de Sophie Thatcher (Sophie Thatcher) vagueia pela mansão enevoada com sua jovem madrasta (Havana Rose Liu) preocupada com um assassino chamado Leather Man. Abaixo, um soldado particular (Charles Melton) caça o assassino. Nada acontece, exceto fumar um cigarro atrás do outro, trocar de roupa e intermináveis cenas de luzes estroboscópicas que mudam de cor nas bochechas dos atores. Felizmente, Kristine Froseth aumenta a emoção como uma idiota que não aprendeu a falar como todo mundo.
Muitos dos programas apresentam filmes chatos de veteranos queridos de Cannes – uma verdadeira ação afirmativa para os escritores. Há oito anos, Hirokazu Kore-eda ganhou a Palma de Ouro por “Shoplifters”, um filme sobre uma família de vigaristas. Agora ele está de volta com “Sheep in a Box”, uma história sombria e sombria sobre dois pais enlutados que criam um clone de seu filho morto. “Sheep” quer uma catarse Spielbergiana – uma cena parece pensar em si mesma como uma casa de arte de “Inteligência Artificial AI” – mas o personagem humano se torna tão mecânico quanto um garotinho robô. Entre o filme açucarado e o filme açucarado, o filme lembra uma tigela de doce gasto.
Arthur Harari, que co-escreveu “Anatomy of a Fall” de Palme e Oscar em 2023, como diretor de “The Unknown”, um drama rude sobre um fotógrafo rebelde que acorda no corpo de Léa Seydoux após uma noite sem nome e sem palavras. Você pode imaginar Brian De Palma seguindo a ideia de sexo (ou o diretor de “It Follows”, David Robert Mitchell, murmurando que merece algum crédito por escrever). Mas a confusão de “O Desconhecido” cessa quando você percebe que nenhum dos personagens tem identidade real. Quem se importa com a alma que há em cada concha, se todas estão turvas? “Face/Off” não é.
Léa Seydoux no filme “O Desconhecido”.
(Festival de Cinema de Cannes)
Nesse sentido, um destaque emocionante até agora foi a entrega não anunciada da prestigiada Palme a John Travolta. (Sim, em uma montagem comemorativa de 1997 com Nicolas Cage.) Travolta já estava envolvido na estreia mundial de seu primeiro filme, “Propeller One-Way Night Coach”, e chorou. “Foi incrível completo!” Travolta suspirou, beijou seu troféu e disse: “Estou feliz por estar aqui”. Ele realmente é, como evidenciado pela boina branca que ele usou para a ocasião, que rapidamente se tornou viral nas redes sociais.
O entusiasmo de Travolta penetra no próprio filme, uma homenagem ao seu amor de infância pela aviação. Ambientado em 1962, um menino da idade de Travolta viaja de Nova York a Los Angeles em um jet ski com sua mãe, na esperança de conseguir um marido rico ou um bom papel em Hollywood no processo. A alegria das crianças é tão estratosférica quanto um avião; ele gosta de tudo, exceto do frango cordon bleu do avião. Como nostalgia, é uma “História de Natal” com um terço de humor, sem críticas e não longa o suficiente para se justificar como filme. Em apenas uma hora, ele viaja no tempo para te deixar com um sorriso tímido.
Se pudesse escolher, prefiro assistir a um filme realmente terrível do que a um que seja simplesmente chato e medíocre. Com esse cenário, eu estava literalmente sussurrando sobre “Butterfly Jam”, um filme tão equivocado que poderia ter sido a versão cinematográfica de “The Room”.
Ambientado em Nova Jersey, “Butterfly Jam” é uma história de masculinidade tóxica entre orgulhosos imigrantes circassianos interpretados por Barry Keoghan, Harry Melling e Riley Keough – atores que, apesar de seu talento e esforços aqui, são muito populares entre irlandeses, ingleses e habitantes de Graceland para convencer parte de sua própria subcultura. O cineasta Kantemir Balagov é mais culpa deles do que dele. Embora se diga que veio para os Estados Unidos ainda adolescente, o ator nem tem sotaque, apenas cabelo preto. Mesmo sendo um miserabilista, ele tem uma trama ou pelo menos um ponto ofensivo que é tão assustador que me faz estremecer. Algumas cenas depois, um pelicano liga uma máquina de algodão doce com seu bico, jogando açúcar quente no ar – sério – e eu quase bati palmas de alegria.
Woody Harrelson e Kristen Stewart no filme “Full Phil”.
(Festival de Cinema de Cannes)
Da mesma forma, um amigo me avisou para não ficar acordado até as 2 da manhã para a estreia noturna de “Full Phil”, de Quentin Dupieux, alertando que era o pior filme que ele tinha visto em Cannes em mais de uma década. Mas não havia como eu sentir falta de assistir Woody Harrelson e Kristin Stewart interpretando um pai e uma filha miseráveis em férias em Paris, liderados por um excêntrico francês que raramente deixa de se divertir – embora desta vez ele tenha chegado perto.
A história é simples: o pai entra em pânico, agita-se e resmunga; a garota engole o serviço de quarto como se quisesse se tornar foie gras humano. “Full Phil” passou cerca de uma hora defendendo seu ponto de vista – ser pai torna você um glutão de punição – e as piadas eram mais uma reação sobre onde deveriam estar as piadas. No entanto, estou torcendo para que Harrelson e Stewart assinem esse projeto cuco. Melhor ainda, ostentava algo que faltava: um final satisfatório. Esperamos que o festival termine mais forte.
