Sonny Rollins, o grande saxofonista tenor e uma das últimas grandes figuras da era de ouro do jazz pós-Segunda Guerra Mundial, morreu na segunda-feira em sua casa em Woodstock, Nova York.
Rollins sobreviveu a quase todos os seus contemporâneos das décadas de 1950 e 1960, a era que estabeleceu os elementos básicos do jazz contemporâneo que se seguiu durante o meio século seguinte. Entre seus amigos estavam músicos como Charlie Parker, Miles Davis, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Bud Powell, John Coltrane, Cannonball Adderley e JJ Johnson.
Sua longa e prolífica carreira durou mais de seis décadas, e suas apresentações e gravações ao vivo continuam a provar que ele é um dos artistas mais influentes e influentes da história do jazz.
“Rollins tem um som de jazz original”, escreveu o crítico Zan Stewart no The Times em 1990, “enraizado no estilo bebop, mas que evoluiu ao longo do tempo, incorporando outros estilos e formas para se adequar a esse som.”
Dos vinte e poucos anos até os últimos anos, sua presença real foi constante. Uma figura imponente com 1,80 metro, ele brincava com voz e articulação para combinar com sua imagem visual. Sua adesão aos ritmos clássicos trouxe uma nova energia surpreendente para canções improváveis como “The Surrey With the Fringe on Top”. E, não importava a noite, ele não hesitou em estender a inovação a níveis impressionantes, buscando novas ideias além dos limites da imaginação da maioria dos músicos de jazz.
“Rollins odeia clichês e frases características – ‘licks’ – e se recusa a tocá-los”, escreveu o crítico Stanley Crouch no New Yorker em 2005. “fazendo um buraco na parede.”
Ele também era um mestre em estrutura, mesmo durante improvisações mais longas. Quando toca uma música clássica, muitas vezes desenvolve uma frase a partir da melodia, repetindo a harmonia de uma música. Às vezes, os pianistas de sua banda simplesmente recuavam durante partes dos solos de Rollins, não querendo arriscar seguir o caminho sinuoso de seu arranjo.
“A história começa com a trilha sonora”, disse ele a Crouch. “Você continua a história usando a melodia da maneira como a ouve como algo construído. Na verdade, tudo tem que estar conectado – a melodia, os acordes, o ritmo. Tem que se tornar uma coisa só.”
Rollins manteve claramente esse conceito ao longo de sua carreira, desde seus primeiros discos no final dos anos 40, quando ainda era adolescente, até sua carreira nos anos 70 e 80. Seu estilo de jogo mostrou aspectos que evoluíram ao longo dos anos, e ele escolheu uma variedade de plataformas para mostrar seus produtos pretensiosos. Contudo, a ideia do solo ser desenvolvido como uma história a ser contada, e a melodia como veículo dessa história, foi uma constante na sua música.
“Tenho esperança de que uma peça musical, qualquer tipo de música, possa fazer maravilhas”, disse Rollins a Lloyd Sachs em 2001 no Chicago Sun-Times. Acreditávamos que a música poderia mudar a maneira como as pessoas pensam. Isso não aconteceu, mas ainda acredito no poder da música, canções antigas, melodias fortes, toques fortes.”
Theodore Walter Rollins nasceu em 7 de setembro de 1930 na cidade de Nova York. Sua mãe, Valborg, que imigrou de St. Thomas, nas Ilhas Virgens, trabalhava em casa; Seu pai, Walter, que imigrou de St. Croix, era suboficial da Marinha dos Estados Unidos. Rollins e seus dois irmãos mais velhos foram apresentados à música por seu pai, que era clarinetista. Sua irmã Gloria tocava piano; Seu irmão Valdemar tocava violino.
O primeiro instrumento de Rollins, aos 13 anos, foi o saxofone alto, seguido pelo tenor na adolescência. Quando se formou na Benjamin Franklin High School, ele já trabalhava como músico profissional. Fez sua primeira gravação em 1949 – primeiro com o cantor Babs Gonzalez, depois com o pianista Bud Powell e o trombonista Johnson. Em 1961, ele começou a se apresentar e gravar com Davis, Parker e Monk.
No entanto, como muitos outros jovens artistas de jazz da época, ele foi influenciado não apenas por tocar, mas pelo estilo de vida dos beboppers mais velhos que o influenciaram enquanto crescia, muitos dos quais se tornaram viciados em drogas. Embora Parker, seu ídolo e antigo mentor, o encorajasse a permanecer limpo, Rollins tinha um hábito heróico que acabou levando à sua prisão e a 10 meses de prisão.
Após sua libertação, ele foi levado sob custódia por violação da liberdade condicional e enviado ao Centro Médico Federal em Lexington, Kentucky. Ele emergiu quatro meses depois, segundo seu relato, clinicamente “curado”.
Rollins voltou a tocar ativamente, estabelecendo-se rapidamente como um dos jovens saxofonistas mais importantes de sua geração. Depois de tocar com o famoso Quinteto Clifford Brown/Max Roach, Rollins gravou “Saxophone Colossus” em 1956 – um álbum de jazz clássico e o destaque de sua série de gravações dos anos 50 para o selo Prestige. Uma das canções, um tema calipso deslumbrante intitulado “St. Thomas”, é a obra mais conhecida de Rollins e um padrão no léxico dos ritmos do jazz.
No final dos anos 50, os seus esforços na exploração musical continuaram com “Tenor Madness”, disco em que colaborou com Coltrane, apresentando os dois grandes estilistas de saxofone tenor da época. Ele também gravou três álbuns – “Way Out West”, “A Night at the Village Vanguard” e “The Freedom Suite” – utilizando um arranjo de saxofone tenor, baixo e bateria, sem instrumentos produzindo acordes.
Apesar de sua rápida ascensão ao topo do mundo do jazz, Rollins sentiu-se esgotado em 1959 e decidiu tirar uma folga para trabalhar no que considerava serem suas limitações musicais.
Procurando um lugar onde pudesse praticar sem incomodar os vizinhos em seu apartamento em Manhattan, ele encontrou acomodação na ponte Williamsburg. Quando ele voltou aos olhos do público em 1962, seu álbum de retorno foi intitulado “The Bridge”, recuperando rapidamente seu papel como uma importante voz do jazz. Durante o resto dos anos 60, continuou a explorar novas áreas, com álbuns sobre o jazz de vanguarda dominante na época, ritmos latinos e um dos seus mais interessantes: o reexame de padrões incríveis do Great American Songbook.
Rollins tirou outro ano sabático no final dos anos 60, quando foi para a Índia para estudar meditação, ioga e espiritualidade e filosofia oriental.
Ao retornar, passou a incorporar elementos do pop, funk e rock em sua música, principalmente por meio da seção rítmica.
Seus discos e performances nos anos 80 abrangeram toda a gama de expressões estilísticas únicas que ele desenvolveu nos anos 50, 60 e 70. Mas, por direito próprio, ele também continuou a ultrapassar os limites da sua música. Um dos exemplos mais inusitados é o seu interesse pela improvisação solo de saxofone, especialmente aquela intitulada “The Solo Album”.
Em 2001, Rollins ganhou um Grammy de Álbum Instrumental de Jazz por “This Is What I Do”. Em 2006, aos 75 anos, ele venceu três vezes a votação dos leitores da revista DownBeat e recebeu o prêmio de saxofonista tenor nº 1. 1, Jazzman do Ano e Gravação do Ano (por “No Song: The 9/11 Concert”). Sua performance de “Why I Was Born”, uma das músicas da gravação, também ganhou um Grammy por solo instrumental de jazz.
Rollins ainda estava procurando e encontrando enquanto viajava aos 80 anos.
“Ainda estou tentando avançar um pouco mais no caminho da perfeição ou da salvação”, disse Rollins em um perfil do Times de 2011. “Ainda não cheguei lá. Estou tão longe disso que ainda sou casado. Tocar ao vivo é a única maneira. …
“No palco do show, tudo está congelado. O show é onde está.”
Em 2017, Rollins doou sua coleção ao Centro Schomburg de Pesquisa em Cultura Negra no Harlem, onde está à disposição do público. A última aparição pública de Rollins foi em 2012.
Rollins não se permite sobreviver imediatamente. Lucille, sua esposa há quase 40 anos, morreu em 2004.
